À propos du projet
Présentation du projet Body Art de Rie Takeda
« C’est un projet très intime; il n’est pas commercial comme il peut paraître. Il s’agit de l’intervention de la calligraphie et de la poésie du design. Le sens devient vivant sur la peau humaine. Le facteur de mindfulness est essentiel, puisque c’est un processus de guérison pour les deux parties : le modèle et moi. Ce n’est pas un maquillage, mais l’on « porte » vraiment le sens de ce qu’on veut partager; c’est un processus très fascinant ».
C’est ainsi que Rie Takeda, artiste et calligraphe japonaise basée en Europe, définit son projet Body Art. L’artiste utilise la calligraphie japonaise pour écrire sur la peau un poème qui donne vie à une expérience ou un processus personnel.
Pour moi, ce projet est aussi un moyen de contribuer à la préservation des formes d’art traditionnelles et historiques, telles que le shodo et la photographie analogique. Cette fusion donne naissance à une vision contemporaine de la tradition.
Processus créatif:
Après plusieurs échanges avec Rie, elle a développé le poème (plus bas dans la page). Puis nous avons développé la session de travail avec la réalisatrice Karin Berndl. Rie a calligraphié le poème sur mon corps, le transformant en un message qui va au-delà de l’apparence esthétique, dans le calme et le silence.
Une partie du travail que nous avons développé concernait les jeux de regards et les reflets. Pour cette raison, les photographies analogiques que j’ai prises sont des autoportraits réalisés à travers un ensemble de miroirs. Au cours du processus, Karin a subtilement documenté le travail.
Reflets
À mes yeux
Autoportraits analogiques. Inspirée par Alice de l’autre côté du miroir, j’ai créé ces photographies par un jeu de miroirs. Les différents angles de chaque reflet montrent une image différente, faisant référence aux multiples couches qui nous composent : complémentaires et polyvalentes.
L’image finale de moi-même est créée à travers plusieurs optiques : de l’appareil photo, du miroir, de mon œil, de l’œil du spectateur (ton œil).
*Photographies prises avec un Olympus-Pen D3 des années 60, acheté dans une boutique cachée à Tokyo, avec film Acros 100II Professional.
Tirage argentique :
Ce travail est lié au fait maison, à l’artisanat. Vous pouvez voir ici le processus de tirages argentiques que j’ai réalisé manuellement. La création de la feuille de contact, les bandes d’essai et les différents résultats finaux en fonction de l’effet désiré.
Intervention plastique
Travail ultérieur sur la photographie à papier pour recréer la méthode Kintsugi ou Kintsukuroi, qui donne son nom à ce projet.
Kintsugi (Japanese: “golden joinery”)
Also called kin·tsu·ku·roi
A traditional Japanese technique of repairing ceramics with lacquer and a metal powder that is usually made from gold or silver. The centuries-old practice is often used to mend treasured objects by beautifying the cracks, which serve as a visual record of the object’s history (definition by britannica.com).
Aux yeux de Karine
© Photo, vidéo et montage : Karin Berndl
Entretien avec Rie Takeda
Souhaitez-vous en savoir plus sur Rie ? Ici vous avez plus de détails sur sa carrière, son expérience en tant qu’enseignante et ses projets en tant qu’artiste, expliqués par elle-même.
Pourriez-vous vous présenter brièvement?
Je m’appelle Rie Takeda, je suis née et j’ai grandi au Japon. Je suis artiste, calligraphe et prof de shodo. J’enseigne la calligraphie japonaise depuis plus de 25 ans maintenant, et avec la méthode du mindfulness depuis près de 15 ans. Je travaille en Europe et en Grande-Bretagne, et quand je suis de retour au Japon, je travaille aussi avec des collègues et des enfants.
Depuis combien d’années vivez-vous en Europe ?
Je vis en Europe depuis plus de 20 ans ! Au début, j’étais basé à Londres, mais depuis que ma fille est née en Allemagne, j’ai essayé de m’y installer davantage. Je vais quand même une fois par mois à Londres pour donner des ateliers.
Après ces années en Europe, avez-vous le mal du pays ?
Je n’ai pas le mal du pays, mais ma famille, mes amis, la nourriture me manquent… Je retourne chaque année passer l’été là-bas, environ six semaines. J’ai un atelier chez mes parents, donc j’aime cet équilibre : l’été au Japon, je peux transformer mes croquis et mes idées en réalisations.
Comment ces échanges entre l’Europe et le Japon ont-ils influencé votre travail?
Je pense que grâce à ce « in and out », « west and east », j’ai pu voir de nombreux éléments différents, les analyser et les comparer. En outre, les différences de mentalité entre île et continent, ou les différences découlant de facteurs religieux, ont affecté et influencé mon travail.
Je suis très impressionnée par la variété de vos projets et par vos collaborations dans différents domaines comme la mode ou les jeux vidéo. Je crois qu’en 2019, vous vous immergiez dans la population autochtone japonaise Ainu. Comment était ce projet artistique communautaire?
Cela a commencé comme un projet individuel et personnel avec une dame autochtone, dans le but d’introduire le sens des arts Ainu (des formes artistique très géométriques). Malheureusement, avant que le projet aille plus loin, la COVID est arrivée et nous avons dû l’interrompre. Je vais peut-être lui rendre visite cet été, mais elle est très occupée, alors ce n’est pas encore sûr.
Croyez-vous que l’art peut aider à préserver l’identité culturelle dans un monde de plus en plus globalisé?
Je crois vraiment que la pratique du shodo aide à préserver la culture et l’identité japonaise. Il peut également aider à être plus conscient de la valeur individuelle et intérieure de chacun. Grâce à cette pratique, vous apprenez, questionnez, acceptez et prenez conscience de votre héritage.
En tant que créatrice du style Neo-Japonism, comment le décririez-vous en quelques mots ?
En bref, le Neo-Japonism est la fusion de la calligraphie traditionnelle, du design et de la poésie, avec des formes artistiques contemporaines. Les deux références clés dans les formes contemporaines de ce style sont le Japonisme (l’influence de l’art et du design japonais parmi les artistes d’Europe occidentale au 19ème siècle, en particulier les artistes de Paris et de Vienne), et la période Taisho (de 1912 à 1926 – un temps de curiosité et de création de nouvelles combinaisons de couleurs, dessins et calligraphies).
Vous offrez actuellement plusieurs cours en ligne; est-il facile d’enseigner le shodo online?
Au début, ce n’était pas facile du tout. Il m’a fallu un certain temps pour apporter la meilleure qualité à mon format de cours en ligne en raison de la façon dont j’enseigne, basée sur le mouvement d’énergie intérieure (le chi). Mais maintenant, je suis très heureux de la qualité que je peux offrir. J’utilise 3 caméras, afin que l’élève puisse voir les détails du mouvement du pinceau, et je lui demande souvent aussi à lui d’avoir une seconde caméra (ou de changer l’angle), afin que je puisse voir les détails de son travail. En raison de mon expérience d’enseignement, qui est assez diversifiée et longue, je peux rapidement voir le problème auquel ils font face et les aider.
Grâce à votre présence en ligne, avez-vous des élèves d’autre pays?
Oui, je suis très reconnaissante parce que j’ai des étudiants de partout en ce moment, et ils travaillent ensemble. Avant la COVID-19, je n’avais que quelques étudiants en apprentissage à distance. Je suis surprise de voir comment, même en ligne, il y a ce lien particulier et intime. C’est un peu différent de ce qui se passe au présentiel, mais cela fonctionne assez bien et je pense que les étudiants sont très satisfaits aussi.
Est-il difficile d’enseigner un art traditionnel japonais en Europe? Le saut culturel est-il un obstacle ?
Au contraire, c’est un processus fascinant puisque j’enseigne et j’apprends en même temps. Quand je donne de cours au Japon, certains éléments ne sont pas remis en question, ils sont naturels et évidents. Mais en Occident, vous devez analyser et expliquer pourquoi il en est ainsi. Même pourquoi vous devez tenir le pinceau comme ceci ou utiliser cet angle et pas un autre. C’était vraiment rafraîchissant pour moi et une bonne base pour développer mon processus de mindfulness. Ainsi, le saut culturel est devenu un avantage pour moi et pour les apprentis.
Le travail avec la calligraphie comme une forme de mindfulness peut être très utile pour beaucoup des gens. Pourriez-vous nous parler de la façon dont vous aidez les gens avec des souffrances physiques ou mentales, et de votre collaboration avec des thérapeutes pour développer un traitement complémentaire?
Mes étudiants proviennent de différents milieux, groupes d’âge, lieux et professions. Chacun d’eux a des tendances corporelles différentes, et peut-être même des traumatismes physiques ou mentaux. Par la façon dont nous préparons l’encre et notre corps pour la leçon, nous libérons ce stress intérieur. Le point fascinant dans le shodo est que vous pouvez voir ce processus visuellement et instantanément devant vous, sur votre papier. Il existe une synchronisation entre ce que vous ressentez et la calligraphie, et cela peut aider à en prendre conscience, puis à l’accepter et à le travailler. Vous pouvez découvrir vos tendances personnelles et voir ensuite votre progression de A à Z. Cela aide à se calmer très rapidement, et lorsque vous avez des douleurs chroniques, cela peut vous soulager beaucoup. C’est pourquoi je travaille avec des thérapeutes professionnels qui veulent travailler avec ces œuvres thérapeutiques. C’est un processus de guérison intéressant.
Merci beaucoup, Rie !
Apprenez la calligraphie japonaise
Cours et livre de Shodo de Rie
Vous avez hâte d’apprendre la calligraphie japonaise? Vous pouvez assister aux cours de shodo de Rie, disponibles en ligne ou à Londres!
Si vous préférez pratiquer à la maison, vous pouvez également obtenir le livre de Shodo de Rie, intitulé Shodo : The practice of Mindfulness through the ancient art of Japanese calligraphy – bientôt disponible en français et espagnol !
Le poème: KINTSUKUROI 金繕い Golden Trace
私の肌には、女たちが泣いたことのない涙の海がある。
魂の皮膚の下にある黒い砂利は、
戦いの傷を癒すため、その顔を表に出す。
傷跡は証であり、草が再び生える乾いた大地の渦のようなものだ。
金粉と樹脂は、壊れた自分の破片をゆっくりと繕う。
My skin holds the ocean of tears that women have never cried.
Black gravel under the skin of the soul
comes to the surface to heal battle wounds.
The scar is the trace, like the gyres of the dry earth where grass grows again.
Gold dust and resin mend the broken pieces of myself.
Introduction by Alba Cid
私の涙の海には、壊れた鏡がちらばっている。
目には見えない小さな破片、とがった大きな破片。
そんなかけらたちを 一つひとつ拾い始める。
見つけ出した破片は、水面と共に私の顔に反射する
パズルの様に並べてみても
合わせ目はきれいにはまらない。
傷口を癒すようにそっと優しく
破片の端を磨いていく。
指を切らぬよう、たまに深呼吸をして。
そして,全ての破片を地図のように
そっとつなぎ合わせていく
繋ぎ目は、波模様のようにもり上がる。
これは私の戦いの傷。
私はこの傷跡に柔らかな太陽を当てて
金粉を振りかけることにした。
金色のつなぎ目は、光を反射してよりひかる。
金の跡は私にいつも語りかける
私は色んな戦いをたくさんしてきた。
様々な箇所が壊れていた。
たくさん生き延びてきた。
今はあなたを誰よりも早く温めることができる。
何よりも折れにくく、壊れにくい
私は、川の流れのように
柔軟に変化することもできる。
この黄金の輝きは私の誇り、
美しい私の明り。
The sea of my tears is littered with broken mirrors.
Small pieces invisible to the eye,
large pieces with pointy angles.
I begin to pick up these bits one by one.
The pieces I find reflect in my face along with the surface of the water.
I put them together like a puzzle.
The pieces don’t fit into place properly.
Gently, gently, as if healing a wound
I polish the edges of the fragments.
I take a deep breath every once in a while, to avoid cutting my fingers
Then I join all the pieces together like a map.
The joinery is uneven and bumpy, like a wavy pattern.
This is my scar from the battles.
I let the soft sunshine on this scar
I decide to sprinkle it with gold dust.
The gold-colored joinery reflects the light and shines more brightly.
Gold scars always speak to me.
I have had many battles of all kinds.
Many parts have been broken.
and I have survived many.
Now I can warm you faster than anyone else.
I am above all unbreakable
I can also change – flexible
Like the flow of a river.
This golden glow is my pride,
My beautiful light.
Main text by Rie Takeda
